艺术和科技有什么关系？

以一个展览来试图讨论这个主题。

日前一场名为《艺术家&机器人》的展览在巴黎大皇宫火热展示中，高科技机器人与当代艺术的结合更是吸引了一票拖家带口的观众前来观展。究竟艺术与科技在今天呈现了怎样的复合结构和新的交流可能性？艺术与观众之间的“直接”关系也被“机器人”——仿生结构、人工智能算法、深度思维等新概念横插一脚。

造物是一种可理喻的人类幻想，闪耀着“神创万物”的圣洁光芒。Mary Shelley“创造”了第一个科幻历史上的人造怪物：弗兰肯斯坦（Frankenstein）。而“机器人”（robot）一词则来自Karel Čapek于1920创作在布拉格上演的一幕戏剧中，这是一个机械努力反抗以获得自由的故事。

展览现场白南准的作品，对早期录像艺术比较熟悉的朋友对白南准的机器人-电视机形象应不陌生，艺术家曾经创作过大量类似的作品。

这次展览对笔者带来的困惑远比灵感要多得多，在一个似乎是恰当的、能够寻找新可能性的艺术场域，笔者感知到更多的是对本雅明时代艺术作品定义的偏离感以及——一种焦虑。这种焦虑似乎从“画家”的危机时代开始，一直被后来的艺术家们所继承，对于真实、对于观察、对于描绘的定义一再被颠覆的焦虑。而每一个时代新的科技涌现时，绘画（这件事情）似乎都会被挖出来再“鞭尸”一次。

Robot Art，Leonel Moura

绘画类机器人（或算法）在近年来的新媒体艺术展览上并不是什么罕见的事情，许多知名艺术家也投入到该类型的创作当中来，中国画家刘小东在16年时便参与了一个机器绘画的新媒体项目——展览过程中，三个机械手分别连接了被安置在北京、上海、金城三座城市的摄像头，实时传输同一时刻各地的图像；而技术人员通过程序转码，将画面中有所移动的部分转化为画笔动作。

伦敦艺术家Patrick Tresset的作品则是对“观察-绘制”这一独特的人类传统艺术视角的回溯，他所创作的“写生机器人”重现了人类长久以来观看、解构和重组“自然”的方式，机器人由绘制部分和观察部分组成，观察由一个可转动的摄像头完成，让笔者惊怖的是——摄像头在一段时间（几秒）观察后调转方向，对准画布，绘制部分的机械手臂再进行描绘——这一过程中所透露出的“人性”。这一“人性”的体现由机械和算法的不完善造成——延时，“延时”正展示了人类艺术家在观察自然和描绘自然时的思考过程，一种理性的总结。而我们知道，这种“延时”以及所代表的“人性”是阶段性的，是在科技更为发达的未来可被抹去的。

“沉浸”式的空间是新媒体艺术所乐于创作的，而在“艺术家&机器人”的展览中，它预示着一种创作模式的复杂化和创作关系的间接化。艺术家与机器人，并非简单的创作者-作品的关系，而可能是创作者-次级创作者-作品的关系。在Patrick Tresset的作品中，艺术家创作了“写生机器人”，写生机器人由代码及其物理机械表达构成——这与双足生物人类无本质区别，人类也可以概括成一连串的基因代码的生物学表达——那么最终的纸上作品应该属于艺术家？还是“写生机器人”？

Astana Columns, Michael Hansmeyer

算法成为艺术创作的主体，甚至其输出被当前大量新媒体艺术直接当作“作品”，如上图所示的空间营造是视觉上最直接有效的“输出”。我们看一段算法的网络定义：在数学（算学）和计算机科学之中，为任何良定义的具体计算步骤的一个序列，常用于计算、数据处理和自动推理。精确而言，算法是一个表示为有限长列表的有效方法。算法应包含清晰定义的指令用于计算函数。从工具的角度出发，算法可以看做是一类艺术家发明的用于创作输出的工具，但当我们试图赋予工具以智能时，创作和思考的模式以及可见的未来都在被挑战。

近些年，我们已经对写诗机器人和作曲机器人不再陌生，这次的展览亦展示了一段“人工智能”参与创作的作品——电影制作人Oscar Sharp与技术专家合作开发了一款能够写“剧本”的机器人，在给这个名为“本杰明”的机器人“阅读”了成百上千的科幻小说和剧集之后，本杰明创作了脚本“Sunspring”——团队决定在48小时内将本杰明所创作的不论什么脚本拍摄出来——这部9分钟的短片并不太好理解，充满了不知所云的对话。但同时揭示了一个可怕的逻辑，如果给与人工智能足够的时间和容量进行学习，它的输出能否真的取代人类的创作？毕竟机器在面对人类大脑时，很多方面已经明显占优势（计算和部分认知能力），一个作家穷其一生未必能阅读了一半的世界名著，但机器是可能的。

钢铁侠埃隆马斯克（Elon Musk）最近使得一个名为Rococo Basilisk的思想实验小火了一把，这个实验讲述的是一个关于超级人工智能自我实现的预言。放到当代艺术中，我们可以推想，我们正在发明许多人工智能并试图教会他们创作是否也加速了“人类艺术”的消亡呢？

Sunspring，Oscar Sharp，2016，9'02''

技术是抵抗记忆的。人类几次大的认知革命逐渐摧毁了其引以为豪的“记忆术”，文字取代了口语文化中代代相传的吟唱，印刷术又极大地推动了知识积累，将“记忆”进一步解放，在今天，我们的记忆不仅完全被“外延”，存储在各式各样的便携设备中，且被“智能化”。正如哲学家斯蒂格勒所认为的，技术的历史可以描述为书写化（grammatisation）的历史。对于他而言，人本身便是一种技术现象，由三个不同的器官系统组成：个体的身心器官、社会组织、以及各类技术器官，技术是构成其个体发展的基础。他从柏拉图和德里达那里吸取了“药”的概念，发展了所谓的技术药理学，是良药和毒药的结合体，技术需要从一开始的毒药转变成良药，然而在新自由主义完全将技术创新的权力赋予市场时，为了利润而创新使得技术加速在永恒的增长中，否定了技术治疗的可能性。

面对技术加速，我们应采取更为批判的态度，超越乐观与悲观的简单二元对立。“渗透在技术中的意义是遮蔽的。”海德格尔如是说，这在今天的当代艺术表达中也是显而易见的，被资本化、去知识型、被利润驱动的创新技术成为了力比多经济的支柱，因为市场成为了衡量一切的标杆，这让艺术创作和表达变得更加“共产”起来，艺术家和科学家之间的工作被模糊，艺术也不再是另外的、超越的表达，而是“白盒子”中的资本主义知识泛化的体现。

村上隆的罗汉机器人

艺术家Orlan和她的“分身”ORLANoïde

法国艺术家Orlan是第一个将“外科手术”带入表演艺术的创作者，不难想见擅长于对人类身体在社会中的存在地位进行思考的Orlan会采取这样的展示“策略”。我们处在所谓的“后人类主义”当中，这似乎是西方几百年来以人为中心的人文主义（或人类中心主义）的转向，不再以人类为中心来展开讨论，而是从动物或技术物等外延来思考人和其他存在的共生问题。技术是人类记忆的外化，同时也昭示着使用技术的个体所处在不断变化的“个体化过程”当中，然而在信息时代，在“算法”主导生活的时代（购物网站的人工智能比你更了解自己的消费心理，算法与消费主义的大数据结合），技术的运用最终成为一种缺乏合法性的、消费主义的治理工具——生活在消费主义，利润至上的资本主义中的艺术家不可能未注意到这一点，可惜的是他们并没有试图提出反对这种异样的“个体化过程”的工作方法。

技术加速冲击了我们的孤独，个体在异化过程中被愈发平面化的技术所链接，但真实的孤独中所蕴含的“个体化”魅力也随之被冲淡。就像西蒙东所言：“真正的个体是通过了孤寂（solitude）的个体；它在孤寂之外被发现，是一种跨个体的关系。”随着“跨个体关系”消失的还有脱离常人的渴望，然而只有在特别存在的“孤寂”当中，独特的“我”才显现，孤寂是一种实实在在的存在，透过它回到最初的“个体化过程”。作为艺术家，作为创作者和表达者，往往希望通过作品的实现而完成个体化，但更重要的是，艺术家在创作时能提供与观众一起个体化的可能性。这样重返孤寂的路径无法通过消费主义的创新理论、资本化的大数据、超级人工智能或超级算法来完成，ORLANoïde发出的是无关痛痒的孤寂声明，白盒子是充盈却功利的，提供了一条规避路线。

【文藏来答】大家好，我是文藏的艺术小编Kiki~如果各位喜欢我的回答，就请给我一个赞或者是一个关注吧！以人类文明发展史来看，艺术与科技早期是不分的，包括达芬奇、米开朗基罗等大师，都同时在艺术与科学领域有卓越成就。

任远，达芬奇

在今日的信息时代，艺术与科技紧密相扣，艺术家开始以科技为手段进行创作，科技与艺术的结合的确激荡出更多元的艺术表现与互动跨领域特质，在表现形式与内容上更强调互动性，把跨领域创作带向更多元化及更开放的发展。

施政 Embers

之前的今日美术馆.zip主题展览中就涉及装置艺术，实验音乐，声音影像，空间交互，也主要展出图像，声音与光源、装置等一系列作品，充分利用空间并与观者建立互动。促使观者从一个主观的、全新的角度来反思现实社会。另一方面，此次展览还利用全新的高科技技术，不仅涉及计算机生成技术，同时也结合了VR、AR等虚拟技术，科技技术阵容强大，也是此次艺术家们的第一次的大面积数字投影的艺术展览。

高票房的科技展

苏少禹& Charles Lindsay 风洞：红山试验

苏少禹& Charles Lindsay 风洞：红山试验

高鹏在总结此次展览引起关注的原因时说：“第二届未来馆展览特别强调展览的视觉性和观众的体验感，这很切合现在的观众。通过这几年的观众培养，多媒体艺术成为观众非常喜欢的一个艺术门类，观众会从他们的角度去理解这些作品。另外，自媒体的传播非常厉害，加之很多的明星来看展，他／她们的转发火爆朋友圈，整个受众变得更宽广。”

低科技艺术实验室，感官过载

当然并不是所有的科技展都会获得高票房，有些业内人士也对高票房的科技展做出质疑，认为这些展览只是噱头而忽略了艺术的学术性，对此高鹏也谈到：“做一个所谓票房收入很高同时还要坚持学术的科技展很难，有时候是机遇，天时、地利、人和撞到了一起了”。作为此次展览的策展人吴珏辉对这些的争议有自己的想法：“有很多特别有价值、有意义的事情在最开始并不是一看上去就特别生活的事情，其实简单的开始意味着无限的可能，和游戏一样规则至简才能玩到无穷，开始就把游戏规则写的死死的，可能性全部都在一开始就封死了。一开始给我们的经验直觉包括我们对现实的不满某些幻想甚至逃避，这就是我们真是的状态，真实是最简单直接的，从真实开始繁育我们自己的想法，然后一言不合就开玩，玩起来之后自然就体现出来了，别人也可以拿我们作为讨论的话题引起争议，或者作为严肃的探讨研究对象，当做是被调查的样本也行，不管正面负面都很好。”

“互动”是艺术的互动还是科学的互动

BUG UFO工作室

科技艺术一方面强调利用科技所能带来的一种身历其境的视听沟通模式，一方面也把观众从被动观看的角色转换成能够主动参与作品的对象。但科技艺术更强调多重感官与肢体的亲身“互动”与“参与”。那么这种“互动”是因科技还是因艺术而互动呢？

Refik Anadol 无穷之屋

在吴珏辉看来现在新媒体艺术的互动不像几年以前，“以前大家是在单纯技术层面的、纯粹的感官层面上的互动，那其实是一种‘被动’不是‘互动’，比如说我动了作品也动了，其实作品很被动观众也很被动，我们对互动的理解并不是去标榜所谓的非得实时的作品和观众有一种技术上的反馈，最后的互动必须要指向一种幸福上的东西，可能身体不动但是心在动，这是我们希望达到的目的。”

电血袋 吴珏辉

科技与艺术的连结，改变人们看待物质的态度。人们不再只重视物质，应更在意精神文明是否能有更大的创造，才对人的生命带来意义。所以高鹏在谈到艺术与科技的时候说：“当代艺术很重要的一点就把之前认为的不是艺术的形式，比如行为、装置、影像、声音艺术都纳入当中，当代艺术是运用当下的材料来反应当下人内心的情感。在当下的材料中，多媒体网络数字化是我们绕不开的媒介和材料，所以在当代艺术当中肯定要考虑多媒体艺术。艺术本身就是一个人文学科，它是关乎人的，人类本身的创造性是不可能被取代的，所以是否科学能取代艺术就有了结论，但是我们在展现未来假象过程当中，科学是必然的途径和媒介，它会辅助我们了解更新形式的艺术。”

科技艺术对艺术家提出了更高的要求

电血袋 吴珏辉

科技艺术为多媒体与互动装置的跨领域艺术开启了先锋，在当今跨领域艺术中扮演极为重要的角色。这次展出的作品和作者很多都是第一次走进美术馆，他们首次以“艺术品”和“艺术家”的身份亮相。这些被放置在美术馆里的作品，有义务也有权利被解读为艺术，这些作者也有能力或者有可能被视作创造艺术的艺术家。

甘健，基石

同为艺术家的吴珏辉在谈到多媒体创作的人员时说：“新媒体艺术家身份都比较的多样，很难鉴别这个人是不是标准的媒体艺术家，因为很多人身份多样，平时可能做一些设计或者编程开发，社会身份导致他们会接触到不同领域和维度的信息，知识结构都很复杂，不是传统意义上的画家，很多人身份都很复合，所以这也是当下比较特殊的状态。”

洪启乐 脑波交流

艺术并没有门槛，未受正规教育的剪纸大婶、耕闲时的涂鸦手绘农民、刺绣女红，都可以有成就，但科技则不然，“相对于一些传统的艺术形式比如绘画，新媒体有它自己的特性，与开发一个产品是一样，有硬件的设备，要开发一些匹配的程序系统，相对来说比较耗成本，所以有些作品完成的周期就比较长，可能几周、几个月甚至经历几年乃至更长的时间，因为需要等待更成熟的条件。”吴珏辉说，“总体来说实现这种作品要求肯定是越来越高，而且看起来会变得越来越复杂，因为涉及到很多配合包括技术层面的，这个不是单枪匹马可以干的，都是团队完成的。”

王志鹏，flower void

当然这并不意味着作品中科技的含量越高或者越复杂，作品的价值就越高，有可能科技投入很多而作品非常低廉，吴珏辉说，“我们现在谈论新媒体，特别喜欢说什么‘高科技’，如果一件媒体艺术最后靠技术的高低或者说投的多少，去评价一个作品，那这个作品应该是挺失败的，好的作品关乎到是不是能触及到观众内心引起共鸣，让观众反思一些问题甚至脑洞大开。”

科技艺术作品的收藏

栅格，王志昂

作为艺术品的一个门类，在今日资本大潮下难免会谈到科技艺术的收藏，那么科技艺术是否会替代其他艺术门类，成为未来收藏的热点呢？在高鹏看来：“到今天我们所有获取信息和视觉的方式其实更加的多元，任何一个单一的形象和图像都难引起我们的刺激，而在多媒体领域里面多感官、多图像化能多层次给观众带来感悟，符合今天人们审美或者视觉的需求，未来多媒体艺术不会取代传统绘画作品，但是整个审美包括对图像和视觉的需求都变的更加复杂和多元，无疑多媒体是满足这种复杂审美新的媒介。”

无穷之屋，Refik Anadol，装置，2015

吴珏辉在新媒体尤其是科技艺术的应该如何收藏时认为：“除了已有的收藏体系以外我们应该找一种更匹配的方式，不是传统意义上物化拥有的收藏，而是一种价值转换、价值释放，我们在一个信息时代，信息本身没那么安全，关键是在这个时候怎么样用好我们获得的信息，让信息更有价值这是最重要的，所以对一种新的艺术形态，必然需要一种新的匹配体系，能够更好的运作良性的发展，而不是运用老的方法去套用。”

基石，甘健，声音影像装置，2017

同时，高鹏也提到：“目前关注多媒体和收藏多媒体的人数并不多，在所有艺术门类中价位肯定是较低的。而随着社会科学发展，只要我们还讨论多媒体，这是不可逃避的领域，最早一批的入手人在投资一个未来，可能未来它不会像想象中升值那么多，但也有可能会变成最重要的多媒体藏家。”

原文来源：《收藏投资导刊》杂志

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